Historia Del Arte

la historia del arte, también llamada historiografía del arte, estudio histórico de las artes visuales, tratando de identificar, clasificar, describir, evaluar, interpretar y comprender los productos del arte y el desarrollo histórico de los campos de la pintura, la escultura, la arquitectura, las artes decorativas, el dibujo, el grabado, la fotografía, el diseño de interiores, etc.

Historia del arte de la Edad de Piedra (2,5 millones-3.000 a. C.)

El arte prehistórico procede de tres épocas de la prehistoria: paleolítico, mesolítico y neolítico. El arte más antiguo registrado es el de los petroglifos Bhimbetka (un conjunto de 10 cúpulas y un grabado o ranura) que se encuentran en un refugio de cuarcita conocido como la cueva del auditorio en Bhimbetka en el centro de la India, que data de al menos 290.000 años antes de Cristo. Sin embargo, puede resultar ser mucho más antiguo (700.000 a. C.).

Este primitivo arte rupestre fue seguido, a más tardar en el año 250.000 a. C., por simples estatuillas (p. ej. Venus de Berekhat Ram[Golan Heights] y Venus de Tan-Tan[Marruecos]), y a partir del año 80.000 a. C. por los grabados rupestres de Blombos y los cúpulas del refugio de Dordogne en La Ferrassie. La cultura prehistórica y la creatividad están estrechamente relacionadas con el tamaño del cerebro y la eficiencia, lo que repercute directamente en funciones «superiores» como el lenguaje, la expresión creativa y, en última instancia, la estética. Así, con la llegada de los «modernos» homo sapiens (50.000 a. C.), como Cro-Magnon Man y Grimaldi Man, vemos un enorme estallido de magníficas esculturas y pinturas paleolíticas tardías en Francia y en la Península Ibérica.

Esto comprende una gama de miniaturas de venus obese figuraines obeso (por ejemplo,. las Venus de Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy, Gagarino, por nombrar sólo algunos), así como tallas de marfil de mamut encontradas en las cuevas de Vogelherd y Hohle Fels en el Jura de Suabia. Sin embargo, el mayor arte de la prehistoria es la pintura rupestre de Chauvet, Lascaux y Altamira.

Estos murales fueron pintados en cuevas reservadas como una especie de galería de arte prehistórico, donde los artistas empezaron a pintar animales y escenas de caza, así como una variedad de dibujos abstractos o simbólicos. En Francia, incluyen las imágenes monocromáticas de las cuevas Chauvet de animales y dibujos abstractos, el arte de la pantalla a mano en la Cueva del Cosquer, y las imágenes policromadas de carbón vegetal y ocre en Pech-Merle, y Lascaux.

En España, incluyen imágenes policromadas de bisontes y ciervos en la cueva de Altamira. Fuera de Europa, los ejemplos más importantes del arte rupestre son: las obras aborígenes de Ubirr (30.000 a. C.), las pinturas de figuras animales en carboncillo y ocre en la Cueva del Apolo 11 (de 25.500 a. C.) en Namibia, las pinturas de Bradshaw (de 17.000 a. C.) en Australia Occidental, y las imágenes de las Cuevas de las Manos (de 9500 a. C.) en Argentina.

Arte Mesolítico (c. 10,000-4,000 a. C.)

En un contexto de nuevo clima, mejores condiciones de vida y consecuentes patrones de comportamiento, el arte mesolítico da más espacio a las figuras humanas, muestra una observación más aguda y una mayor narrativa en sus pinturas. Además, debido al clima más cálido, se traslada de cuevas a sitios al aire libre en numerosos lugares de Europa, Asia, África, Australasia y América. Las obras de arte mesolítico incluyen las pinturas rupestres de los bosquimanos en la zona de Waterberg (Sudáfrica), las pinturas en los Refugios de Roca de Bhimbetka (India) y el arte aborigen australiano de Arnhem Land.

También cuenta con más arte tridimensional, incluyendo bajorrelieves y escultura en pie. Ejemplos de estas últimas son las figuras antropomórficas descubiertas en Nevali Cori y Göbekli Tepe cerca de Urfa en Asia oriental menor, y las estatuas de Lepenski Vir (p. ej., el dios de los peces) en Serbia. Otros ejemplos de arte portátil mesolítico incluyen brazaletes, guijarros pintados y dibujos decorativos sobre objetos funcionales, así como cerámica antigua de la cultura japonesa Jomon. Una de las obras más grandes del arte mesolítico es la escultura «Thinker From Cernavoda» de Rumania.

Arte Neolítico (c. 4,000-2,000 a. C.)

La era neolítica, más «asentada» y populosa, vio un crecimiento de las artesanías como la alfarería y el tejido. Esto se originó en los tiempos mesolíticos desde aproximadamente 9.000 años antes de Cristo en las aldeas del sur de Asia, después de lo cual floreció a lo largo de los valles de los ríos Amarillo y Yangtze en China (c. 7.500 a. C.) – ver Neolithic Art en China – luego en la media luna fértil de los valles de los ríos Tigris y Éufrates en el Medio Oriente (c. 7.000) – la’ cuna de la civilización’ – antes Aunque la mayoría de las obras de arte siguen siendo funcionales en su naturaleza, hay un mayor interés por la ornamentación y la decoración. Por ejemplo, la caligrafía – uno de los grandes ejemplos del arte chino – aparece por primera vez durante este período. Ver: Línea de tiempo del arte chino para más detalles.

El arte neolítico también incluye esculturas de pie, estatuillas de bronce (sobre todo de la civilización del valle del Indo), joyas primitivas y diseños decorativos en una variedad de artefactos. La forma más espectacular de arte neolítico tardío era la arquitectura: con grandes estructuras de piedra conocidas como megalitos, que van desde las pirámides egipcias hasta las tumbas de paso del norte de Europa -como Newgrange y Knowth en Irlanda- y los conjuntos de grandes piedras verticales (menhires) como las del Stonehenge Stone Circle y el Avebury Circle en Inglaterra. Sin embargo, el medio principal del arte neolítico era la cerámica, cuyos mejores ejemplos se produjeron en torno a la región de Mesopotamia (ver arte mesopotámico) y el Mediterráneo oriental. Para más cronología, ver: Línea de tiempo de alfarería. Hacia el final de esta era, en Sumer aparecen los sistemas jeroglíficos de escritura, anunciando el fin de la prehistoria.

Historia del arte de la Edad del Bronce (en Europa: 3000-1200 a. C.)

Los ejemplos más famosos del arte de la Edad del Bronce aparecieron en la «cuna de la civilización» alrededor del Mediterráneo en el Cercano Oriente, durante el ascenso de la Mesopotamia (actual Irak), Grecia, Creta (civilización minoica) y Egipto. El surgimiento de las ciudades, el uso de las lenguas escritas y el desarrollo de herramientas más sofisticadas llevaron a la creación de una gama mucho más amplia de obras de arte monumentales y portátiles.

Arte Egipcio (a partir del 3100 a. C.)

Egipto, posiblemente la mayor civilización en la historia del arte antiguo, fue la primera cultura en adoptar un estilo de arte reconocible. Los pintores egipcios mostraron la cabeza, las piernas y los pies de sus sujetos humanos de perfil, mientras que retrataban el ojo, los hombros, los brazos y el torso desde el frente. Otras convenciones artísticas establecen cómo deben representarse los dioses, faraones y personas comunes, regulando elementos como el tamaño, el color y la posición figurativa. Una serie de maravillosas pinturas de cera encáustica egipcia, conocidas como los retratos de Fayum, ofrecen una visión fascinante de la cultura helenística en el Antiguo Egipto. Además, el estilo único de la arquitectura egipcia incluía una amplia gama de cámaras funerarias de piedra maciza, llamadas pirámides. La experiencia egipcia en piedra tuvo un gran impacto en la arquitectura griega posterior. Las pirámides egipcias famosas incluyen: La Pirámide Escalonada de Djoser (c. 2630 AEC), y La Gran Pirámide de Giza (c. 2550 AEC), también llamada la Pirámide de Khufu o’ Pirámide de Cheops’.

Arte sumerio (a partir del 3500 a. C.)

En Mesopotamia y la antigua Persia, los sumerios estaban desarrollando su propio edificio único – una forma alternativa de pirámide escalonada llamada zigurat. No se trataba de cámaras funerarias, sino de montañas artificiales diseñadas para acercar a los gobernantes y a la gente a sus dioses que, según la leyenda, vivían en lo alto de las montañas al este. Los zigurats fueron construidos con ladrillos de arcilla, típicamente decorados con vidriados de colores. Ver Sumeria Art (c. 4500-2270 AEC).

Arte persa (a partir del 3500 a. C.)

Para la mayor parte de la Antigüedad, el arte de la antigua Persia estaba estrechamente entrelazado con el de sus vecinos, especialmente Mesopotamia (hoy Irak), e influido – y fue influenciado por – el arte griego. Las primeras obras de arte persa de arte portátil incluyen las intrincadas cerámicas de Susa y Persépolis (c. 3000 a. C.), pero los dos periodos importantes del arte persa fueron la Era Achaemení (c. 550-330 a. C.) – ejemplificados por los palacios monumentales de Persépolis y Susa, decorados con esculturas, relieves de piedra y el famoso «Friso de Arqueros» (Louvre, París) creado a partir de piezas esmaltadas. Pero, las mayores reliquias del arte sasánida son las esculturas rupestres talladas en escarpados acantilados de piedra caliza en Taq-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-e Rostam y Naqsh-e Rajab.

Arte minoico (c. 2100-1425 a. C.)

El primer capítulo importante del arte egeo, creado en Creta por los minoicos, se basó en su arquitectura palaciega en Knossos, Phaestus, Akrotiri, Kato Zakros y Mallia, que fueron construidos utilizando una combinación de piedra, ladrillo de barro y yeso, y decorados con murales de colores y cuadros frescos, retratando símbolos mitológicos de animales (p. ej. el toro), así como un El arte minoico también incluye tallas de piedra (especialmente piedras de sello) y metalistería preciosa. El período Protopalacial minoico (c. 1700 a. C.), que terminó en un terremoto mayor, fue seguido por un período Neopalacial aún más ornamentado (c. 1700-1425 a. C.), que presenció el punto álgido de la cultura antes de ser terminado por un segundo conjunto de terremotos en 1425. Los artesanos minoicos son también famosos por su cerámica y vaso-pintura, que presentaban una gran cantidad de motivos marinos y marítimos. Este enfoque en la naturaleza y los eventos -en lugar de gobernantes y deidades- también es evidente en los murales y esculturas del palacio minoico.

Edad de Bronce Metalistería

Llamado así por el metal que lo hizo próspero, el período de la Edad del Bronce fue testigo de una gran cantidad de maravillosas piezas de metal realizadas con muchos materiales diferentes. Esta forma de metalugia se ejemplifica con dos obras maestras extraordinarias: el «Ram in the Thicket» (c. 2500 a. C., British Museum, Londres) una pequeña escultura iraquí hecha de hojas de oro, cobre, lapislázuli y piedra caliza roja; y el «Maikop Gold Bull» (c. 2500 a. C., Hermitage, San Petersburgo) una escultura en miniatura de oro de la Maikop Culpture North Véase también: Arte asirio (c. 1500-612 a. C.) y arte hitita (c. 1600-1180 a. C.). En este período también surgieron las bronces de bronce chinas (c. 1750 a. C.), en forma de placas de bronce y esculturas decoradas a menudo con jade, procedentes de la cuenca del río Amarillo de la provincia de Henan, en China Central.

Para las civilizaciones de la Edad de Bronce en las Américas, ver: Arte precolombino, que cubre el arte y la artesanía de las culturas mesoamericanas y sudamericanas.

Historia del Arte de la Edad del Hierro y la Antigüedad Clásica (c. 1500-200 a. C.)

El arte de la Antigüedad Clásica experimentó un enorme crecimiento durante este período, especialmente en Grecia y el Mediterráneo oriental. Coincidió con el auge de la cultura helénica (influenciada por los griegos).

Arte micénico (c. 1500-1100 a. C.)

Aunque Micenas era una ciudad griega independiente en el Peloponeso Griego, el término «Micenas» se utiliza a veces para describir el arte griego temprano como un todo durante la Edad de Bronce tardía. Inicialmente muy influenciado por la cultura minoica, el arte micénico logró poco a poco su propio equilibrio entre el animado naturalismo de Creta y el lenguaje artístico más formal de la península, como lo ejemplifican sus numerosos frescos de témpera, esculturas, alfarería, piedras preciosas talladas, joyas, vidrios, ornamentos y metales preciosos.

Además, en contraste con la cultura minoica del «comercio marítimo», los micénicos eran guerreros, así que su arte fue diseñado principalmente para glorificar a sus gobernantes seculares. Incluyó varias tumbas tholos llenas de orfebrería, armas ornamentales y joyas preciosas.

Arte Griego Antiguo (c. 1100-100 a. C.)

El arte griego antiguo se divide tradicionalmente en los siguientes períodos: (1) la Edad Media (c. 1100-900 a. C.). (2) El Período Geométrico (900-700 a. C.). (3) El Período de Estilo Oriental (c. 700-625 a. C.). (4) Período Arcaico (c. 625-500 a. C.). (5) El Período Clásico (c. 500-323 a. C.). (6) Período helenístico (c. 323-100 a. C.). Desafortunadamente, casi toda la pintura griega y una gran parte de la escultura griega se ha perdido, dejándonos una colección de ruinas o copias romanas. La arquitectura griega, también, es ampliamente conocida por nosotros a través de sus ruinas. A pesar de este pequeño legado, los artistas griegos siguen siendo muy venerados, lo que demuestra cuán avanzados estaban.

Como todos los artesanos de la zona mediterránea, los antiguos griegos tomaron prestadas de sus vecinos y socios comerciales importantes técnicas artísticas. Aun así, por la muerte del emperador macedonio Alejandro Magno en el año 323 a. C., el arte griego fue considerado en general como el más fino jamás hecho. Incluso los romanos – a pesar de sus increíbles habilidades de ingeniería y militares – nunca superaron su sentido de inferioridad frente a la artesanía griega, y (por fortuna para nosotros) copiaron asiduamente las obras de arte griegas. Diecisiete siglos más tarde, la arquitectura griega, los relieves escultóricos, las estatuas y la cerámica se redescubrirían durante el Renacimiento italiano, y se convertiría en la piedra angular del arte occidental durante más de 400 años.

Edades Oscuras

Después de la caída de la civilización micénica (siglo XII a. C.) Grecia entró en un período de decadencia, conocido como la Edad Media -porque sabemos muy poco de ella. La escultura, la pintura y la arquitectura monumental casi cesaron.

Período geométrico

A partir del año 900 a. C., estas artes (creadas principalmente para las familias aristocráticas que habían alcanzado el poder en la Edad Media) reaparecieron durante el período geométrico, bautizadas con el nombre de los diseños decorativos de su alfarería.

Período Oriental

El período de la futura Orientación se caracterizó por la influencia del trabajo de diseño de Oriente Próximo, en particular los patrones curvilíneos, zoomórficos y florales.

Época Arcaica

El período arcaico fue un tiempo de experimentación gradual; la forma escultórica más apreciada fue el kouros (pl. kouroi), o desnudo masculino de pie. A esto le siguió el período Clásico, que representa el apogeo del arte griego.

Período Clásico

La arquitectura griega floreció, basada en un sistema de «órdenes clásicas» (dóricas, iónicas y corintias) o reglas para el diseño de la construcción, basadas en proporciones de y entre las partes individuales. El Partenón en el complejo de la Acrópolis en Atenas es el ejemplo supremo de la arquitectura griega clásica: otros ejemplos famosos incluyen: el Templo de Zeus en Olimpia, el Templo de Hefaistos, el Templo de Atenea Nike, el Teatro de Delphi, y el Templo Tholos de Atenea Pronaia. En las artes plásticas, grandes escultores griegos clásicos como Polykleitos, Myron y Phidias demostraron un dominio del realismo que no se superaría hasta el renacimiento italiano. Pero la pintura siguió siendo la forma de arte más respetada, en particular las pinturas de panel ejecutadas con témpera o pintura encausada, con renombrados pintores griegos como Zeuxis, Apelles y Parrhasius añadiendo nuevas técnicas de resaltar, sombrear y colorear.

Helenismo

El comienzo de la fase helenística final coincidió con la muerte de Alejandro y la incorporación del Imperio Persa al mundo griego. A nivel estilístico, el realismo clásico fue reemplazado por una mayor solemnidad y heroicismo (ejemplificado por la estatua masiva «El Coloso de Rodas», del mismo tamaño que la Estatua de la Libertad) así como por un expresionismo creciente. El período se caracteriza por la difusión de la cultura griega (Hellenization) en todo el mundo civilizado, incluidas las técnicas de la escultura y el arte del mosaico. Las famosas esculturas helenísticas incluyen: la célebre «Venus de Milo»,»Dying Gaul» de Epigono; el altar de Pergamon de Zeus (c. 166-156 a. C.);»Victoria alada de Samotracia»; y «Laocoon and His Sons» de Hagesandrus, Polydorus y Athenodorus.

Cerámica griega

La cerámica griega se desarrolló mucho antes que otras formas de arte: en el año 3000 a. C., el Peloponeso era ya el centro de cerámica líder. Más tarde, tras la toma del continente griego por las tribus indoeuropeas alrededor del año 2100 a. C., se introdujo una nueva forma de cerámica, conocida como Minyan Ware. Fue el primer tipo griego que se hizo en un torno de alfarero. A pesar de esto, fue la cerámica minoica en Creta -con su nuevo estilo de luz oscura- la que predominó durante el segundo milenio antes de Cristo.

Sin embargo, los alfareros griegos retomaron la iniciativa, introduciendo una serie de innovaciones deslumbrantes incluyendo: alfarería de estilo geométrico hermosamente proporcionado (900-725), así como los estilos orientales (725-600), negro-figura (600-480) y rojo-figura (530-480). Los ceramistas griegos famosos incluyen Exekias, Kleitias, Ergotimos, Nearchos, Lydos, el pintor de Amasis, Andokides, Euthymides, y Sophilos (todos negros-figura), más Douris, Brygos y Onesimos (rojo-figura).

Arte etrusco (c. 700-90 AEC)

En Etruria, Italia, la antigua Cultura Villanueva dio paso a la civilización etrusca alrededor del año 700 a. C. Esto alcanzó su pico durante el siglo VI a. C., cuando sus ciudades-estados tomaron el control del centro de Italia. Al igual que los egipcios, pero a diferencia de los griegos, los etruscos creían en una vida después de la muerte, por lo que la tumba o el arte funerario era un rasgo característico de la cultura etrusca. Los artistas etruscos eran también famosos por su escultura figurativa, en piedra, terracota y bronce.

Sobre todo el arte etrusco es famoso por su «joi de vivre», ejemplificado por su pintura mural al fresco, especialmente en las villas de los ricos. Además, la habilidad de los orfebres etruscos fue muy apreciada en toda Italia y más allá. La cultura etrusca, fuertemente influenciada por los estilos griegos, tuvo un marcado impacto en otras culturas, notablemente en los estilos Hallstatt y La Tene del arte celta. La cultura etrusca declinó a partir del año 396 a. C., ya que los estados de su ciudad fueron absorbidos por el Imperio Romano.

Arte Celta (c. 600-100 a. C.)

Desde el año 600 a. C., las tribus paganas que emigraban de las estepas rusas, conocidas como celtas, se establecieron a lo largo del Danubio superior en Europa central. La cultura celta, basada en excepcionales habilidades comerciales y un dominio temprano del hierro, facilitó su expansión gradual por toda Europa, y condujo a dos estilos de arte celta cuyos artefactos son conocidos por nosotros a través de varios sitios arqueológicos clave en Suiza y Austria. Los dos estilos son Hallstatt (600-450) y La Tene (450-100). Ambos fueron ejemplificados por hermosos trabajos de metal y complejos diseños lineales.

Aunque a principios del primer milenio del siglo I d. C. la mayoría de los artistas celtas paganos habían sido totalmente absorbidos por el Imperio Romano, sus tradiciones de diseños espirales, zoomórficos, de nudos y entrelazados resurgieron y florecieron (600-1100 d. C.) en muchas formas del arte hiberno-sajón (ver abajo) como manuscritos iluminados del Evangelio, metalistería religiosa y escultura de la Cruz Alta. Ejemplos famosos de arte de metal celta incluyen el caldero Gundestrup, la corona de Petrie y el torc de oro Broighter.

Arte Romano (c. 200 a. C. -400 d. C.)

Arquitectura

A diferencia de sus vecinos intelectuales griegos, los romanos eran principalmente gente práctica con una afinidad natural por la ingeniería, los asuntos militares y la construcción del Imperio. La arquitectura romana fue diseñada para asombrar, entretener y abastecer a una población creciente tanto en Italia como en todo su Imperio. Así, la arquitectura romana se ejemplifica con nuevos sistemas de drenaje, acueductos, puentes, baños públicos, instalaciones deportivas y anfiteatros (p. ej. el Coliseo 72-80 d. C.), caracterizados por grandes avances en los materiales (p. ej., la invención del hormigón) y en la construcción de arcos y cúpulas de tejado.

Este último no sólo permitía techar grandes edificios, sino que también daba al exterior una gran grandeza y majestad. Todo esto revolucionó el campo de la arquitectura dominado por los griegos, al menos en forma y tamaño, si no en creatividad, y proporcionó una oportunidad interminable para el embellecimiento en forma de relieves, estatuas, murales frescos y mosaicos. Los ejemplos más famosos de la arquitectura romana incluyen: el Coliseo masivo, el Arco de Tito y la Columna de Trajano.

Pintura, Escultura

Si la arquitectura romana era excepcionalmente grandiosa, sus pinturas y esculturas seguían imitando el estilo griego, excepto que su propósito principal era la glorificación del poder y la majestad de Roma. El arte romano primitivo (c. 200-27 a. C.) fue detallado, no idealizado y realista, mientras que los estilos imperiales posteriores (c. 27 a. C. – 200 d. C.) fueron más heroicos. La pintura mediocre floreció en forma de murales al fresco de diseño interior, mientras que la pintura de paneles de mayor calidad se ejecutó en témpera o en pigmentos encáusticos.

La escultura romana también, variada en su calidad: además de decenas de miles de bustos retratos de calidad media de emperadores y otros dignatarios, los escultores romanos también produjeron algunas maravillosas esculturas de relieves históricos, como la escultura en bajorrelieve en espiral de la Columna de Trajano, celebrando la victoria del emperador en la guerra daciana.

Arte primitivo de todo el mundo

Aunque la historia del arte se considera comúnmente preocupada principalmente por las civilizaciones que se derivaban de las culturas europeas y chinas, una cantidad significativa de artesanías apareció desde los primeros tiempos en la periferia del mundo conocido. Para más información sobre la historia y los artefactos de estas culturas, ver: Arte oceánico (del Pacífico Sur y Australasia), arte africano (de todas partes del continente) y arte tribal (de África, las Islas del Pacífico, Indonesia, Birmania, Australia, América del Norte y Alaska).

Historia del Arte Medieval

Constantinopla, cristianismo y arte bizantino

Con la muerte en 395 a. C. del emperador Teodosio, el imperio romano se dividió en dos mitades: una occidental, inicialmente basada en Roma, hasta que fue saqueada en el siglo V d. C., luego Ravena; y una oriental, situada en la ciudad más segura de Constantinopla. Al mismo tiempo, el cristianismo se convirtió en la religión oficial exclusiva del imperio. Estos dos acontecimientos políticos tuvieron un gran impacto en la historia del arte occidental.

En primer lugar, la reubicación en Constantinopla contribuyó a prolongar la civilización y la cultura grecorromanas; en segundo lugar, el crecimiento del cristianismo condujo a una categoría completamente nueva de arte cristiano que proporcionó a arquitectos, pintores, escultores y otros artesanos lo que se convirtió en el tema dominante en las artes visuales durante los próximos 1.200 años. Además de las formas prototipo del arte cristiano primitivo, muchas de las cuales provenían de las catacumbas, también condujo directamente al surgimiento del arte bizantino. Ver también: Arte Cristiano, Período Bizantino.

Arte de Bizancio (Constantinopla) (330-1450 CE)

El arte bizantino era casi en su totalidad arte religioso, y se centraba en torno a su arquitectura cristiana. Las obras maestras incluyen la impresionante Hagia Sophia (532-37) en Estambul; la Iglesia de Santa Sofía en Sofía, Bulgaria (527-65); y la Iglesia de Santa Sofía en Tesalónica. El arte bizantino también influyó en los mosaicos de Rávena en las Basílicas de Sant’ Apollinare Nuovo, San Vitale y Sant’ Apollinare in Classe. Ejemplos seculares incluyen: el Gran Palacio de Constantinopla, y la Basílica de la Cisterna.

Además de las nuevas técnicas arquitectónicas, como el uso de pechinas para repartir el peso de la cúpula del techo, que permitían interiores más grandes, se introdujeron nuevos métodos decorativos como mosaicos de vidrio en lugar de piedra. Pero la marca ortodoxa oriental del cristianismo (a diferencia de su contraparte en Roma), no permitía obras de arte en 3-D como estatuas o relieves altos, creyendo que glorificaban el aspecto humano de la carne más que la naturaleza divina del espíritu.

Así, el arte bizantino (p. ej., la pintura, las obras de mosaico) desarrolló un estilo particular de imágenes significativas (iconografía) diseñadas para presentar la teología compleja de una manera muy sencilla. Por ejemplo, los colores se usaban para expresar diferentes ideas: el oro representaba el cielo, el azul, el color de la vida humana, etc.

Después de 600 EC, la arquitectura bizantina progresó a través de varios períodos – como el período medio (c. 600-1100) y los períodos de Comnenios y Paleologos (c. 1100-1450) – gradualmente se fue influenciando cada vez más por las tradiciones orientales de construcción y decoración. En Europa occidental, la arquitectura bizantina fue reemplazada por los estilos románico y gótico, mientras que en el Cercano Oriente siguió ejerciendo una influencia significativa en la arquitectura islámica primitiva, como lo ilustran la Gran Mezquita Omeya de Damasco y la Cúpula de la Roca en Jerusalén.

Pintura Bizantina

En ausencia de la escultura, los artistas bizantinos se especializaron en la pintura 2-D, convirtiéndose en maestros de la pintura de paneles, incluyendo miniaturas – notablemente iconos – e iluminación de manuscritos. Sus obras tuvieron una gran influencia en artistas de toda Europa occidental y central, así como en los países islámicos de Oriente Medio.

Arte Cristiano Irlandés (c. 600-1100 CE)

Situada en la periferia remota de Europa Occidental, Irlanda seguía estando libre de interferencias de Roma o de los bárbaros que le siguieron. Como resultado, el arte celta irlandés no fue desplazado por los modismos griegos o romanos, ni fue enterrado en la Edad Media pagana. Además, la Iglesia pudo establecer una red relativamente segura de monasterios irlandeses, que rápidamente se convirtieron en importantes centros de enseñanza religiosa y de estudios religiosos, y se extendieron gradualmente a las islas fuera de Gran Bretaña y a partes del norte de Inglaterra.

Esta red monástica pronto se convirtió en un importante mecenas de las artes, atrayendo a numerosos escribas y pintores a sus scriptorios para crear una serie de manuscritos del evangelio cada vez más ornamentados e iluminados: los ejemplos incluyen: el Cataclismo de Colmcille (c. 560), el Libro de Dimma (c. 625), los Evangelios Durham (c. 650), el Libro de Durrow (c. 670), y el Libro supremo de Kells Estas iluminaciones evangélicas empleaban una gama de letras históricas, rombos, cruces, ornamentos de trompeta, cuadros de pájaros y animales, ocasionalmente ocupando páginas enteras (páginas de alfombras) de patrones geométricos o entrelazados.

El éxito creativo de estos manuscritos decorados se vio reforzado en gran medida por la disponibilidad de diseños celtas de joyería y orfebrería -producidos para la élite laica irlandesa- y por el aumento de los contactos culturales con los artesanos anglosajones en Inglaterra.

Otra de las primeras formas de arte cristiano desarrolladas en Irlanda fue la metalistería religiosa, ejemplificada por obras maestras como el broche de Tara, el cáliz de Ardagh, el cáliz de Derrynaflan y el Santuario del Cinturón de Moylough, así como cruces procesionales como la cruz de Tully Lough del siglo VIII/9 y la gran cruz de Cong del siglo XII, encargada por Turlough O’ Connor.

Finalmente, a partir de finales del siglo VIII, la Iglesia comenzó a encargar una serie de grandes cruces religiosas decoradas con escenas de la biblia y del entrelazado abstracto, nudos y otros motivos celtas. Algunos ejemplos incluyen la Cruz de Muiredach en Monasterboice, County Louth, y la Cruz de Ahenny High Cross en Tipperary. Estas altas cruces de las Escrituras florecieron entre 900 y 1100, aunque la construcción continuó hasta el siglo XV.

Desafortunadamente, con el advenimiento de los vikingos (c. 800-1000), la contribución irlandesa única a la civilización occidental en general y al cristianismo en particular, comenzó a desvanecerse, a pesar de alguna contribución del arte vikingo. A partir de entonces, la cultura romana -impulsada por la Iglesia de Roma- comenzó a reafirmarse en toda Europa.

Una palabra sobre el arte asiático

En contraste con el cristianismo que permite la representación figurativa de profetas, santos y la Sagrada Familia, el Islam prohíbe todas las formas de iconografía humana. Así, el arte islámico se centró en el desarrollo de patrones geométricos complejos, textos iluminados y caligrafía.

En Asia oriental, las artes visuales de la India y el Tíbet incorporaron el uso de figuras de colores muy intensos (debido a su amplia gama de pigmentos) y contornos fuertes. La pintura en la India era extremadamente diversa, al igual que los materiales (los textiles son más duraderos y a menudo reemplazan al papel) y el tamaño (las miniaturas indias eran una especialidad). Arte chino especializado en escultura ceremonial de bronce, pintura caligráfica y pincelada y tallado en jade, así como cerámica china y laca. En Japón, el arte budista del templo, la pintura en tinta Zen, el Yamato-e y las impresiones de bloques de madera Ukiyo-e fueron cuatro de los principales tipos de arte japonés.

Arte románico (carolingo, otomano) (c. 775-1050)

En el continente, el renacimiento del arte cristiano medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los francos, que fue coronado emperador romano sagrado, por el papa León III en 800. Los scriptoriums de la corte de Carlomagno en Aquisgrán produjeron una serie de magníficos textos cristianos iluminados, tales como: el Evangelista Godscalc, los Evangelios de Lorsch y los Evangelios de San Medardo de Soissons. Irónicamente, su obra arquitectónica más importante -la capilla palatina de Aquisgrán (c. 800)- no fue influenciada por San Pedro u otras iglesias de Roma, sino por la basílica bizantina de San Vitale en Ravenna.

El imperio carolingio se disolvió rápidamente, pero el arte carolingio marcó un primer paso importante en la difusión del arte medieval y la revitalización de la cultura continental. Además, muchas de las iglesias románicas y góticas se construyeron sobre los cimientos de la arquitectura carolingia. Los primeros logros arquitectónicos románicos de Carlomagno fueron continuados por los emperadores romanos Otto I-III, en un estilo conocido como arte ottoniano, que se transformó en el «románico». (En Inglaterra e Irlanda, el estilo románico se suele llamar arquitectura normanda).

La Iglesia invierte en el arte para transmitir su mensaje

La difusión del arte románico en el siglo XI coincidió con la reafirmación del cristianismo romano, y la influencia de este último en las autoridades seculares condujo a la reconquista cristiana de España (c. 1031) y a la cruzada para liberar la Tierra Santa del dominio del Islam. El éxito de los cruzados y su adquisición de las reliquias sagradas desencadenó una ola de nuevas catedrales en toda Europa. Además de su influencia en la política internacional, Roma ejerció un poder cada vez mayor a través de su red de obispos y sus vínculos con órdenes monásticas como las benedictinas, los cistercienses, los cartujos y los canónigos agustinos.

Desde estos monasterios, sus funcionarios ejercieron un poder administrativo cada vez mayor sobre la población local, en particular el poder de recaudar los ingresos fiscales que dedicaba a las obras religiosas, en particular la construcción de catedrales (escultura y metalistería, así como la arquitectura), manuscritos del evangelio iluminados, y la erudición cultural – un proceso ejemplificado por el poderoso monasterio benedictino de Cluny en Borgoña.

Arquitectura románica (c. 1000-1200)

Aunque basado en la Antigüedad Griega y Romana, la arquitectura románica no mostró ni la creatividad de los griegos, ni la habilidad de ingeniería de los romanos. Emplearon gruesos muros, arcos de medio punto, pilares, columnas, bóvedas de arista, estrechas ventanas de hendidura, grandes torres y arcadas decorativas. La carga básica del edificio no era soportada por sus arcos o columnas, sino por sus macizos muros.

Y sus techos, bóvedas y contrafuertes eran relativamente primitivos en comparación con los estilos posteriores. Sobre todo, los interiores eran oscuros y, comparativamente, estaban rodeados de pesados muros de piedra. Aun así, la arquitectura románica reintrodujo dos importantes formas de bellas artes: la escultura (que había estado en suspenso desde la caída de Roma) y el vitral, aunque a menor escala.

Arte gótico (c. 1150-1400)

La arquitectura gótica, financiada en gran medida por órdenes monásticas y obispos locales, aprovechó una serie de avances técnicos en los arcos apuntados y otros factores de diseño, para asombrar, inspirar y educar a las masas. Así, salieron los muros masivamente gruesos, las pequeñas ventanas y los interiores tenues, en los techos que se elevaban («alcanzando al cielo»), las paredes delgadas y las vidrieras. Esto transformó el interior de muchas catedrales en santuarios inspiradores, donde las congregaciones analfabetas podían ver la historia de la Biblia ilustrada en el hermoso arte del vitral de sus enormes ventanales.

De hecho, los arquitectos consideraban que la catedral gótica representaba el universo en miniatura. Casi todos los rasgos fueron diseñados para transmitir un mensaje teológico: la impresionante gloria de Dios y la ordenada naturaleza de su universo. El arte gótico religioso -es decir, la arquitectura, la escultura en relieve y la estatuaria- se ejemplifica mejor con las catedrales del norte de Francia, en particular Notre Dame de París; Reims y Chartres, así como la Catedral de Colonia, la Catedral de San Esteban de Viena y, en Inglaterra, la Abadía de Westminster y el Ministerio de York.

Historia del arte renacentista (c. 1300-1620)

Fuertemente influenciado por el gótico internacional, el renacimiento europeo del arte fino entre aproximadamente 1300 y 1600, popularmente conocido como «el Renacimiento», fue un fenómeno único e inexplicable (en muchos aspectos) debido, entre otras cosas, a (1) la peste de la Peste Negra (1346), que exterminó a un tercio de la población europea; (2) la Guerra de los 100 Años entre Inglaterra y Francia (1339-1439) y (3) la Reforma (c. 1520 Afortunadamente, ciertos factores en el corazón renacentista de Florencia y Roma -en particular la energía y la enorme riqueza de la familia Medici florentina, y las ambiciones papales del Papa Sixto IV (1471-84), el Papa Julio II (1503-13), el Papa León X (1513-21) y el Papa Pablo III (1534-45)- lograron superar todos los obstáculos naturales, aun cuando la Iglesia estuvo casi en bancarrota en el proceso.

El arte renacentista fue fundado sobre el clasicismo – una apreciación de las artes de la Antigüedad Clásica, una creencia en la nobleza del hombre, así como los avances artísticos tanto en la perspectiva lineal y el realismo. Se desarrolló en tres grandes ciudades italianas: primero Florencia, después Roma y por último Venecia. La cronología renacentista se suele enumerar de la siguiente manera:

• Proto-Renacimiento (c. 1300-1400)

Este período introductorio fue impulsado en gran medida por el revolucionario estilo pictórico de Giotto (1270-1337), cuyo ciclo de frescos en la Capella Scrovegni (Capilla de la Arena) de Padua introdujo un nuevo realismo en la pintura que desafió muchas de las convenciones iconográficas en uso.

• Renacimiento temprano (c. 1400-1490)

Desencadenada en parte por el descubrimiento de una copia de De Architectura («Diez libros de arquitectura») del arquitecto romano Vitruvius (78-10 a. C.) del siglo I, y el magnífico diseño de Filippo Brunelleschi en 1418 para la cúpula de la catedral gótica de Florencia (1420-36), este período de actividad se centró en Florencia. Entre los artistas renacentistas más importantes se encuentran el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), el escultor Donatello (1386-1466) y el pintor Tommaso Masaccio (c. 1401-28). Entre los más importantes contribuyentes figuran Piero della Francesca (1420-92), Antonio del Pollaiuolo (1432-98) y Botticelli (1445-1510), además de la norteña Andrea Mantegna (1431-1506).

• Alto Renacimiento (c. 1490-1530)

Considerado como el apogeo del Renacimiento italiano y sus ideales estéticos de belleza y armonía, el Alto Renacimiento se centró en Roma y estuvo dominado por la pintura de Leonardo Da Vinci (1452-1519) (ej.»La Última Cena»,»La Mona Lisa») y Rafael (1483-1520) (ej.»La Escuela de Atenas»), y las obras inmortales de Miguel Ángel (1475-1564) (incluyendo Otros grandes artistas renacentistas destacados son miembros de la escuela de pintura veneciana, como Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Paolo Veronese y Tintoretto.

La arquitectura renacentista empleó preceptos derivados de la antigua Grecia y Roma, pero conservó muchos rasgos modernos de la invención bizantina y gótica, como cúpulas y torres. Entre los arquitectos más importantes se encuentran: Donato Bramante (1444-1514), máximo exponente de la arquitectura de alta renacimiento; Baldassare Peruzzi (1481-1536), importante arquitecto e interiorista; Michele Sanmicheli (1484-1559), alumna principal de Bramante; Jacopo Sansovino (1486-1570), el más célebre arquitecto veneciano; Giulio Romano (1499-1546), jefe de la profesión de arquitecto italiano

• Renacimiento del Norte (c. 1400-1530)

En el norte de Europa (Flandes, Holanda, Inglaterra y Alemania), el Renacimiento se desarrolló de manera diferente. Un clima más húmedo, poco adecuado para la pintura al fresco, favoreció el uso temprano del óleo, mientras que la diferencia de habilidades y temperamento llevó a la temprana adopción del grabado, y a la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg en la década de 1450.

En la mayoría de los países del norte de Europa, la Reforma provocó una grave pérdida de clientelismo y la consiguiente disminución de las obras religiosas a gran escala. En su lugar surgieron nuevas tradiciones del retrato y otras obras de caballete, que condujeron en última instancia a las maravillosas bodegones y pinturas de género de la escuela del realismo holandés en el siglo XVII. Los grandes artistas del Renacimiento del Norte fueron: el holandés Jan Van Eyck (1390-1441), conocido por sus colores luminosos y su realismo detallado; el polifacético alemán Albrecht Durer (1471-1528), conocido por sus dibujos, autorretratos, óleos, acuarelas, grabados y grabados; Robert Campin (1375-1444) el maestro de Flemalle, un artista elusivo pero sobresaliente que enseñó a Van

Entre los más grandes escultores del Renacimiento Norteño se encuentran: el escultor alemán de madera de tilo Tilman Riemenschneider (1460-1531), conocido por sus relieves y su escultura de madera independiente; y el tallista de madera Veit Stoss (1450-1533) por sus delicados retablos.

• Manierismo (1530-1600)

Este estilo creció en parte como reacción a las formas idealistas del Alto Renacimiento y en parte como reflejo de los tiempos turbulentos – Martin Lutero había comenzado la Reforma, mientras que la propia Roma acababa de ser saqueada por los mercenarios. Los artistas manieristas introdujeron una nueva expresividad en sus obras, como lo ejemplifican la maravillosa escultura Rape of the Sabine Women de Giambologna, y el fresco del Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Otros exponentes importantes del manierismo incluyen El Greco (c. 1541-1614) y Caravaggio (1571-1610), cuyo uso dramático de luz y sombra influyó en una generación de Caravaggisti.

Historia del Arte Post-Renacentista

Arte barroco (c. 1600-1700)

Fue durante este período que la Contrarreforma Católica se puso en marcha en un intento de atraer a las masas lejos del Protestantismo. El renovado patrocinio de las artes visuales y la arquitectura fue una característica clave de esta campaña de propaganda, y condujo a un estilo más grandioso y teatral en ambas áreas. Este nuevo estilo, conocido como arte barroco, fue el punto culminante del manierismo dramático.

La arquitectura barroca aprovechó al máximo el potencial teatral del paisaje urbano, ejemplificado por la Plaza de San Pedro (1656-67) en Roma, frente a la Basílica de San Pedro. Su arquitecto, Gianlorenzo Bernini (1598-1680), empleó una serie de columnas ensanchadas en el acceso a la catedral, dando la impresión a los visitantes de que están siendo abrazados por los brazos de la Iglesia Católica. Todo el enfoque se construye en una escala gigantesca, para inducir sentimientos de sobrecogimiento.

En la pintura, el máximo exponente del arte católico de la Contrarreforma fue Peter Paul Rubens (1577-1640) – «el príncipe de los pintores y el pintor de los príncipes». Otros artistas católicos destacados fueron Diego Velázquez (1599-1660), Francisco Zurbaran (1598-1664) y Nicolás Poussin (1594-1665).

En el norte de Europa protestante, la época barroca estuvo marcada por el florecimiento de la pintura holandesa del género realista, un estilo que se adaptaba de manera única a los nuevos patrones burgueses de pequeños interiores, pinturas de género, retratos, paisajes y bodegones. Surgieron varias escuelas de pintura holandesa del siglo XVII, incluidas las de Haarlem, Delft, Utrecht y Leiden. Entre los miembros principales se encontraban los inmortales Rembrandt (1606-1669) y Jan Vermeer (1632-1675), así como Frans Snyders (1579-1657), Frans Hals (1581-1666), Adriaen Brouwer (1605-38), Jan Davidsz de Heem (1606-84), Adriaen van Ostade (1610-85), David Teniers the Younger (1610-85) y David Teniers the Younger (1610-85).

Arte Rococó (c. 1700-1789)

Este nuevo estilo de arte decorativo, conocido como Rococo, impactó sobre todo en el diseño de interiores, aunque también afectaron la arquitectura, la pintura y la escultura. Esencialmente una reacción contra la seriedad del barroco, el rococó fue un estilo alegre, casi caprichoso, que creció en la corte francesa del Palacio de Versalles antes de extenderse por toda Europa. Los diseñadores rococó emplearon la gama completa de yeserías, murales, tapices, muebles, espejos, porcelana, sedas y otros adornos para dar al dueño de la casa una experiencia estética completa. En la pintura, el estilo rococó fue defendido por los artistas franceses Watteau (1684-1721), Fragonard (1732-1806) y Boucher (1703-70). Pero las obras más grandes fueron producidas por el veneciano Giambattista Tiepolo (1696-1770) cuyas fantásticas pinturas al fresco de paredes y techos llevaron al Rococo a nuevas alturas.

Ver en particular el renacimiento del Arte Decorativo Francés (1640-1792), creado por los diseñadores franceses especialmente en forma de muebles franceses, en Versalles y otros castillos reales, al estilo de Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) y Louis Seize (XVI). El rococó simbolizaba la decadencia y degeneración de la aristocracia francesa. Por eso, la Revolución Francesa la arrasó con la revolución francesa, que introdujo el nuevo neoclasicismo más severo, más acorde con la época de la Ilustración y la Razón.

Arte Neoclásico (Flourished c. 1790-1830)

En la arquitectura, el neoclasicismo deriva de las formas «clásicas» más sobrias del barroco practicadas en Inglaterra por Sir Christopher Wren (1632-1723), que diseñó la catedral de San Pablo. Otra vuelta más a las órdenes clásicas de la Antigüedad grecorromana, el estilo se caracterizó por estructuras monumentales, sostenidas por columnas de pilares y coronadas por cúpulas renacentistas clásicas.

Empleando innovaciones como cúpulas de varias capas, prestó grandiosidad a palacios, iglesias y otras estructuras públicas. Los edificios neoclásicos famosos incluyen: el Pantheon (París) diseñado por Jacques Germain Soufflot (1756-97), el Arc de Triomphe (París) diseñado por Jean Chalgrin, la Puerta de Brandenburgo (Berlín) diseñado por Carl Gotthard Langhans (1732-1808) y el edificio del Capitolio de los Estados Unidos, diseñado por el inglés Benjamin Henry Latrobe (1764-1820), y más tarde el edificio del Capitolio de los Estados Unidos. Ver también la era del arte colonial americano (c. 1670-1800).

Los pintores neoclasicistas también buscaron inspiración en la Antigüedad Clásica, y enfatizaron las virtudes del heroicismo, el deber y la gravedad. Entre los principales exponentes figuran el artista político francés Jacques-Louis David (1748-1825), el pintor alemán Anton Raphael Mengs (1728-79) y el maestro francés del arte académico, Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867). Escultores neoclásicos incluidos: Antonio Canova (1757-1822),
Bertel Thorvaldsen (1770-1844) y Jean-Antoine Houdon (1741-1828).

Movimiento Romanticismo (Flourished c. 1790-1830)

En contraste con los valores universales propugnados por el neoclasicismo, los artistas románticos expresaron una respuesta más personal a la vida, apoyándose más en sus sentidos y emociones que en la razón y el intelecto. Este idealismo, como el neoclásico, fue impulsado por la Revolución Francesa, por lo que algunos artistas se vieron afectados por ambos estilos. La naturaleza fue un tema importante para los románticos, y el estilo es ejemplificado, por la Escuela de Pintura Paisajística Inglesa, la pintura al aire libre de John Constable (1776-1837), Corot (1796-1875) junto con los miembros de la Escuela Francesa Barbizon y la Escuela Americana del Río Hudson de pintura paisajística, así como el más expresionista JMW Turner (1775-1851).

Sin embargo, se podría decir que el pintor paisajista romántico más grande es posiblemente Caspar David Friedrich (1774-1840). La pintura narrativa o de historia fue otro género importante en el romanticismo: los principales exponentes incluyen: Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) y Eugene Delacroix (1798-63), así como los posteriores exponentes de la pintura orientalista, y los emotivos prerrafaelitas y simbolistas.

Realismo (c. 1845 en adelante)

A medida que el siglo XIX se avanzó, la creciente conciencia de los derechos del hombre más el impacto social de la Revolución Industrial hizo que algunos artistas se alejaran de los temas idealistas o románticos a favor de temas más mundanos, representados en un estilo de naturalismo más verdadero y más naturalista. Este nuevo enfoque (hasta cierto punto anticipado por William Hogarth en el siglo XVIII, ver Pintura Figurativa Inglesa) fue ejemplificado por el estilo del realismo que emergió en Francia durante la década de 1840, antes de extenderse por toda Europa. Este nuevo estilo atrajo a pintores de todos los géneros – Gustave Courbet (1819-77) (pintura de género), Jean François Millet (1814-75) (paisaje, vida rural), Honore Daumier (1808-79) (vida urbana) e Ilya Repin (1844-1930) (paisaje y retratos).

Historia del Arte Moderno

Impresionismo (c. 1870-80)

El impresionismo francés, defendido sobre todo por Claude Monet (1840-1926), fue un estilo de pleinairismo espontáneo, sensible al color, cuyos orígenes se remontan a Jean-Baptiste Camille Corot y a las técnicas de la escuela barbizoniana -cuya misión consistía en representar los efectos momentáneos de la luz natural. Comprendía paisajes rurales[Alfred Sisley (1839-1899)], paisajes urbanos[Camille Pissarro (1830-1903)], escenas de género[Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Paul Cezanne (1839-1906), y Berthe Morisot (1841-95)] y pinturas figurativas y retratos[Edouard Manet (18 Otros artistas asociados con el impresionismo son James McNeil Whistler (1834-1903) y Walter Sickert (1860-1942).

Los impresionistas buscaban reproducir fielmente los momentos fugaces al aire libre. Así, si un objeto parecía morado oscuro -debido quizás a una luz reflejada o que se veía fallida-, entonces el artista lo pintaba de morado. Los esquemas de color «Académico-Estilo» naturalista, concebidos teóricamente o al menos en el estudio, no lo permitían. Como resultado, el impresionismo ofreció un nuevo lenguaje pictórico – uno que allanó el camino para movimientos artísticos más revolucionarios como el Cubismo – y es considerado por historiadores y críticos como la primera escuela moderna de pintura.

En cualquier caso, el estilo tuvo un impacto masivo en el arte parisino y mundial, y fue la puerta de entrada a una serie de movimientos relacionados con el color, incluyendo el Post-Impresionismo, Neosimpresionismo, Pointillismo, Divisionismo, Fauvismo, Intimismo, el Luminismo o Tonalismo Americano, así como el Impresionismo Americano, la Escuela de Newlyn y grupo de Camden Town, el francés Les Nabis y el movimiento expresionista general.

Post-impresionismo (c. 1885 en adelante)

Esencialmente un término general que abarca una serie de desarrollos y reacciones al impresionismo, el post-impresionismo involucró a artistas que empleaban esquemas de color tipo impresionista, pero que estaban insatisfechos con las limitaciones impuestas por la mera reproducción de la naturaleza. El neoimpresionismo con su técnica del puntillismo fue pionero por Georges Seurat y Paul Signac (1863-1935), mientras que los principales post-impresionistas incluyen a Paul Gauguin, Vincent Van Gogh y Paul Cezanne. Inspirado en el sintetismo de Gauguin y en el cloisonnismo de Bernard, el grupo post-impresionista Les Nabis promovió una forma más amplia de arte decorativo; otro estilo, conocido como Intimismo, se ocupaba de escenas de género de interiores domésticos e íntimos.

Ejemplificado por la obra de Pierre Bonnard (1867-1947) y Edouard Vuillard (1868-1940), es similar a otros interiores tranquilos como los de James McNeil Whistler y el holandés Peter Vilhelm Ilsted (1861-1933), influenciado por los realistas. Otro movimiento muy importante -el antiimpresionismo en lugar del postimpresionismo- fue el simbolismo (flotaba entre 1885 y 1900), que influyó en el fauvismo, el expresionismo y el surrealismo. Nótese también que muchos artistas post-impresionistas adoptaron las formas y la estética del clasicismo, como respuesta al naturalismo pasivo del arte impresionista. Esto condujo a un renacimiento clásico generalizado en el arte moderno, conocido como el «retorno al orden», entre 1900 y 1930.

Colorismo: Fauvismo (a partir de 1900)

El término «Fauves» (bestias salvajes) fue utilizado por primera vez por el crítico de arte Louis Vauxcelles en el Salón de Otoño de 1905 en París, cuando describió las pinturas vívidamente coloreadas de Henri Matisse (1869-1954), Andre Derain (1880-1954) y Maurice de Vlaminck (1876-1958). Otros Fauvistas fueron el cubista Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877-1953), Albert Marquet (1875-1947) y Georges Rouault (1871-1958). La mayoría de los seguidores del fauvismo pasaron al expresionismo u otros movimientos asociados a la Escuela de París.

Escultura del siglo XIX y principios del XX

Las tradiciones escultóricas, aunque nunca son independientes de las de la pintura, se preocupan principalmente por el espacio y el volumen, mientras que las cuestiones de escala y función también actúan como factores distintivos. Así pues, la escultura fue más lenta en su conjunto para reflejar las nuevas tendencias del arte moderno durante el siglo XIX, dejando a escultores como Auguste Rodin (1840-1917) en libertad para perseguir un monumentalismo derivado esencialmente del neoclasicismo, si no de la ideología renacentista.

La dimensión pública de la escultura también se prestaba a la celebración de los valores victorianos y de las figuras históricas, que también se realizaban a la manera grandiosa de los tiempos pasados. Así, no fue hasta la aparición de artistas como Constantin Brancusi (1876-1957) y Umberto Boccioni (1882-1916) que la escultura empezó a cambiar, a principios de siglo.

Arte expresionista (c. 1900 en adelante)

El expresionismo es un estilo general de pintura que pretende expresar una interpretación personal de una escena u objeto, en lugar de representar sus rasgos de la vida real, a menudo se caracteriza por una pincelada enérgica, pintura impastosa, colores intensos y líneas audaces. Entre los expresionistas primitivos se encontraban Vincent Van Gogh (1853-90), Edvard Munch (1863-1944) y Wassily Kandinsky (1866-1944). Durante las primeras tres décadas del siglo XX surgieron varias escuelas expresionistas alemanas.

Entre ellos se incluyen: Die Brucke (1905-11), un grupo con sede en Dresde en 1905, que mezclaba elementos del arte tradicional alemán con estilos postimpresionistas y fauvistas, ejemplificado en obras de Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erik Heckel y Emil Nolde; Der Blaue Reiter (1911-14), una asociación de artistas aflojados con sede en Munich, y El expresionismo se extendió por todo el mundo, generando numerosas derivaciones tanto en la pintura figurativa (p. ej. Francis Bacon) como en el arte abstracto (p. ej. Mark Rothko). Ver también: Historia de la pintura expresionista (c. 1880-1930).

Arte Decorativo: Art Nouveau (1890-1910) y Art Deco (1920-30s)

Art Nouveau (finales del siglo XIX – principios del XX)

Art Nouveau (promocionado como Jugendstil por la Secesión de Munich (1892) y la Secesión de Berlín (1898), como Sezessionstil en la Secesión de Viena (1897), y como Stile Liberty en Italia, y Modernista en España) derivado de William Morris y el Movimiento de Artes y Oficios en Gran Bretaña, y también fue influenciado tanto por el movimiento de artes renacentistas celtas como por el Japanonisme. Su popularidad se debe a la Exposición Universal de 1900 en París, desde donde se extendió por Europa y Estados Unidos. Se destacó por sus intrincados patrones de líneas asimetricas sinuosas, basadas en formas vegetales (de las culturas celta Hallstatt y La Tene), así como siluetas y formas femeninas.

Art Nouveau tuvo una gran influencia en el cartelismo, el diseño y la ilustración, el diseño de interiores, la carpintería metálica, los objetos de vidrio, las joyas, la pintura y la escultura. Entre los principales exponentes se encuentran: Alphonse Mucha (1860-1939), Aubrey Beardsley (1872-98), Eugene Grasset (1845-1917) y Albert Guillaume (1873-1942). Ver también: Historia del Arte Cartelero.

Escuela Bauhaus (Alemania, 1919-1933)

Derivada de las dos palabras alemanas «bau» para edificio y «haus» para casa, la escuela de arte y diseño Bauhaus fue fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius. Muy influyentes tanto en la arquitectura como en el diseño – y sus métodos de enseñanza – sus instructores incluyeron a artistas como Josef Albers, Lyonel Feininger, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Laszlo Moholy-Nagy, Anni Albers y Johannes Itten.

Su misión era poner el arte en contacto con la vida cotidiana, por lo que el diseño de los objetos cotidianos recibió la misma importancia que el arte. Entre los preceptos importantes de Bauhaus se incluían la virtud de un diseño simple y limpio, la producción masiva y las ventajas prácticas de un hogar y un lugar de trabajo bien diseñados. La Bauhaus fue finalmente cerrada por los nazis en 1933, cuando varios de sus maestros emigraron a Estados Unidos: Laszlo Moholy-Nagy se estableció en Chicago, donde fundó la Nueva Bauhaus en 1937, mientras que Albers fue al Black Mountain College en Carolina del Norte.

Art Deco (1920s, 1930s)

El estilo de diseño conocido como Art Deco se exhibió en 1925 en la Exposición Internacional de Arte Moderno Decorativo e Industrial de París y se convirtió en un estilo muy popular de arte decorativo, diseño y arquitectura durante los años de entreguerras (mucho empleado por los arquitectos de cine y hoteles).

Su influencia también se vio en el diseño de muebles, tejidos, alfarería, joyería y vidrio. Una reacción contra el Art Nouveau, el nuevo lenguaje de Art Deco eliminó las formas curvilíneas fluidas de este último y las reemplazó por formas geométricas de inspiración cubista y precisión. Ejemplos famosos de arquitectura Art Deco incluyen el Empire State Building y el New York Chrysler Building. Art Deco también fue influenciado por los diseños arquitectónicos simples de la Bauhaus.

Cubismo (c. 1908-12)

Inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) y considerado como el «movimiento revolucionario» del arte moderno, el Cubismo fue un estilo de pintura más intelectual que exploraba todo el potencial del plano pictórico bidimensional al ofrecer diferentes visiones del mismo objeto, típicamente dispuestas en una serie de fragmentos solapados: más bien como un fotógrafo podría tomar varias fotos de un objeto desde diferentes ángulos, antes de cortarlas Este «cubismo analítico» (que se originó en Les Demoiselles d’ Avignon, de Picasso) dio paso rápidamente al «cubismo sintético», cuando los artistas empezaron a incluir «objetos encontrados» en sus lienzos, como los collages de recortes de periódicos.

Entre los pintores cubistas se encuentran: Juan Gris (1887-1927), Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953), Roger de La Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956) y Francis Picabia (1879-1953), el artista vanguardista Marcel Duchamp (1887-1968) y el escultor (Ver también arte ruso.) De corta vida pero altamente influyente, el Cubismo instigó un estilo completamente nuevo de arte abstracto y tuvo un impacto significativo en el desarrollo de estilos posteriores como: Orfismo (1910-13), Collage (1912 en adelante), Purismo (1920s), Precisionismo (1920s, 1930s), Futurismo (1909-1914), Rayonismo (1912-14), Suprematismo (1913-1918), Constructivismo

Surrealismo (a partir de 1924)

Enraizado en gran medida en las tradiciones anti-artísticas del movimiento Dada (1916-24), así como en las ideas psicoanalíticas de Sigmund Freud y Carl Jung, el surrealismo fue el estilo de arte más influyente de los años de entreguerras. Según su teórico principal, Andre Breton, buscó combinar el inconsciente con el consciente para crear una nueva «super-realidad», un «surrealismo». El movimiento abarcaba una amplia gama de estilos, desde la abstracción hasta el realismo de la vida real, típicamente puntuado con imágenes «irreales».

Entre los surrealistas más importantes se encuentran Salvador Dalí (1904-89), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), Andre Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-55), Joan Miro (1893-1983), Giorgio de Chirico (1888-1978), Jean Arp (1886-1966) y Man Ray (1890-1976). El movimiento tuvo un gran impacto en toda Europa durante la década de 1930, fue el principal precursor del Conceptualismo, y continúa encontrando adherentes en las bellas artes, la literatura y la cinematografía.

Arte Americano de principios del siglo XX (c. 1900-45)

La pintura americana durante el período 1900-45 era realista en estilo y llegó a ser cada vez más centrada en la imaginería estrictamente americana. Esto fue el resultado de la reacción contra el Armory Show (1913) y el hipermodernismo europeo, así como una respuesta a las condiciones sociales cambiantes en todo el país. Más tarde se convirtió en una respuesta patriótica a la Gran Depresión de los años treinta. Vea también los grandes avances en la arquitectura de rascacielos de principios del siglo XX.

Para más información, ver: Arquitectura americana (1600-presente). Los movimientos pictóricos específicos incluyeron la Escuela Ashcan (c. 1900-1915); el Precisionismo (1920s) que celebraba el nuevo paisaje industrial estadounidense; el estilo urbano más socialmente consciente del Realismo Social (1930s); la Pintura de Escena Americana (c. 1925-45) que abarcaba la obra de Edward Hopper y Charles Burchfield, así como el Regionalismo del medio oeste (1930s) promovido por Grant Wood, Thomas Hart Benton y John Steuart.

Nota: Los ecos del regionalismo americano se pueden ver en el estilo aprobado por el gobierno del realismo socialista (c. 1920-80), que floreció en Rusia, China y otros estados totalitarios durante los primeros (y más tarde) del siglo XX.

Expresionismo abstracto (1945-60)

El primer movimiento internacional de arte moderno que surgió de América (a veces conocido como The New York School -ver también American art), fue un estilo de pintura predominantemente abstracto que siguió una dirección expresionista basada en el color, en lugar de un lenguaje cubista, aunque también incluye una serie de otros estilos, lo que lo convierte en un movimiento más general. En el expresionismo abstracto destacan cuatro variantes: la primera, el estilo «automático» de «pintura de acción» inventado por Jackson Pollock (1912-56) y su esposa Lee Krasner (1908-1984).

En segundo lugar, los planos monumentales de color creados por Mark Rothko (1903-70), Barnett Newman (1905-70) y Clyfford Still (1904-80) – un estilo conocido como Colour Field Painting. En tercer lugar, las obras figurativas gestuales de Willem De Kooning (1904-1997). Cuatro, los abstractos geométricos «Homenaje a la plaza» de Josef Albers (1888-1976).

La pintura expresionista abstracta, altamente influyente y abstracta, continuó influenciando a artistas posteriores durante más de dos décadas. Fue introducida en París durante la década de 1950 por Jean-Paul Riopelle (1923-2002), asistido por el libro de Michel Tapie, Un Art Autre (1952). Al mismo tiempo, surgieron varios nuevos sub-movimientos en Estados Unidos, como la pintura de borde duro, ejemplificada por Frank Stella.

A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, una forma puramente abstracta de la pintura Colour Field apareció en obras de Helen Frankenthaler y otros, mientras que en 1964, el famoso crítico de arte Clement Greenberg ayudó a introducir un nuevo desarrollo estilístico conocido como «Post-Painterly Abstraction». El Expresionismo Abstracto llegó a influir en una variedad de diferentes escuelas, incluyendo Op Art, Fluxus, Pop Art, Minimalismo, Neo-Expresionismo y otras.

Arte pop (finales de los años 1950-60)

El puente entre el arte moderno y el postmodernismo, el arte pop empleó la imaginería popular y las formas modernas de arte gráfico, para crear un lenguaje animado y de alto impacto, que Joe Public podía entender y apreciar. Apareció simultáneamente en Estados Unidos y Gran Bretaña, a finales de los años cincuenta, mientras que en 1960 surgió una forma europea (Nouveau Realisme). Pionero en América por Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (1930), Pop tuvo estrechos vínculos con los movimientos de principios del siglo XX como el surrealismo. Fue una clara reacción contra el intelectualismo cerrado del Expresionismo Abstracto, del que los artistas pop buscaban distanciarse adoptando imágenes sencillas y fácilmente reconocibles (televisión, caricaturas, historietas, cómics, etc.), así como tecnologías modernas como la serigrafía.

Entre los artistas pop más famosos de Estados Unidos se encuentran: Jim Dine (1935), Robert Indiana (1928-1928), Alex Katz (1927), Roy Lichtenstein (1923-1927), Claes Oldenburg (1929-1929) y Andy Warhol (1928-1887). Importantes artistas pop en Gran Bretaña fueron: Peter Blake (1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (1922), David Hockney (1937), Allen Jones (197), RB Kitaj (1932) y Eduardo Paolozzi (1924-2005).

Escultura de mediados del siglo XX

Desde las primeras obras de Brancusi, la escultura del siglo XX se amplió inconmensurablemente para abarcar nuevas formas, estilos y materiales. Entre las principales innovaciones se encuentran las «paredes esculpidas» de Louise Nevelson (1899-1988), las formas existenciales de Giacometti (1901-66), la abstracción biomórfica de Barbara Hepworth (1903-75) y Henry Moore (1898-1986), y las arañas de Louise Bourgeois (1911-2010).

Salvador Dalí (1904-89) en su surrealista «Mae West Lips Sofá» y «Lobster Telephone» – de Meret Oppenheim (1913-85) en su «Desayuno de Peluche», de FE McWilliam (1909-1992) en su «Ojos, Nariz y Mejilla», de Sol LeWitt (b. 1928) en sus construcciones de tipo caja esqueléticas y artistas Pop como Claes Oldenburg (b.1929) y Jasper Johns (b.1930), así como por los italianos Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (b.1935) y Paolo Lomazzi (b.1936) en su único «Joe Sofa».

Historia del Arte Contemporáneo

La palabra «Postmodernista» se utiliza a menudo para describir el arte contemporáneo desde 1970. En términos simples, el arte postmodernista enfatiza el estilo por encima de la sustancia (p. ej. no «qué», sino «cómo»; no «arte por el arte», sino «estilo por el estilo por el estilo»), y subraya la importancia de la forma en que el artista se comunica con su público. Esto se ejemplifica con movimientos como el arte conceptual, donde la idea que se comunica es vista como más importante que la obra de arte en sí misma, que simplemente actúa como vehículo del mensaje. Además, para aumentar el «impacto» del arte visual en los espectadores, los postmodernistas han recurrido a nuevas formas de arte como el Ensamblaje, la Instalación, el Video, la Interpretación, los Sucesos y el Graffiti -todos ellos asociados de alguna forma o de otra manera con el Conceptualismo- y esta idea de impacto continúa inspirando.

Pintura Postmodernista

Desde los años setenta, los pintores han experimentado con numerosos estilos a lo largo de todo el espectro, desde la abstracción pura hasta la figuración. Entre ellas se encuentran: el minimalismo, una abstracción purista que poco promovió la pintura como medio atractivo; el neo-expresionismo, que engloba a grupos como los «realistas feos», la «Neue Wilden», la «figuración libre», la «transavanguardia», los «nuevos pintores de imágenes» y los denominados «malos pintores», señalaban el retorno a la representación de objetos reconocibles, como En el otro extremo del minimalismo se encuentra la forma de arte ultra-representacional del fotorealismo (superrealismo, hiperrealismo).

Entre esta actividad, que llama la atención, destacan pintores como Francis Bacon, el gran Lucien Freud (1922), el innovador Fernando Botero (1932), el preciso David Hockney (1937), los fotorealistas Chuck Close (1940) y Richard Estes (1936) y la contemporánea Jenny Saville (1970). Ver también: Contemporary British Painting (1960-2000).

Escultura Postmodernista

La escultura desde 1970 ha aparecido en una variedad de formas, incluyendo: las grandes obras de metal de Mark Di Suvero (1933), las esculturas minimalistas de Walter de María (1935), las formas públicas monumentales de Richard Serra (1939), los desnudos hiperrealistas de John De Andrea (1941), las estructuras ambientales de Anthony Gormley (1950), las figuras específicas del sitio de Rowan Gill Además, la detención de la escultura pública incluye el «Chicago Picasso» – una serie de figuras de metal producidas para el Centro Cívico de Chicago y la arquitectura «Spire of Dublin» (el «spike’), creada por Ian Ritchie (b. 1947), entre muchos otros.

Postmodernista Vanguardia

La visión pluralista del arte contemporáneo (que los críticos podrían calificar como ejemplo de la fábula de la «Ropa Nueva del Emperador»), se ilustra acertadamente en las obras de Damien Hirst, un destacado miembro de la escuela de Jóvenes Artistas Británicos. Reconocido por «La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive», un tiburón tigre muerto decapitado en formaldehído, y últimamente por su cráneo incrustado con diamantes «Por el amor de Dios», Hirst ha logrado estimular al público y horrorizar a críticos de todo el mundo. Y aunque es poco probable que llegue a heredar el manto de Miguel Ángel, su logro de ventas por valor de 100 millones de dólares en una sola subasta de Sotheby’s (2008) es muy llamativo.

Más aleccionador aún, en marzo de 2009, el prestigioso Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou de París organizó una exposición titulada «La especialización de la sensibilidad en el estado de las materias primas en una sensibilidad pictórica estabilizada». Este evento vanguardista consistió en 9 salas completamente vacías -en efecto, una reencarnación de la obra de John Cage, una pieza completamente silenciosa de arte conceptual «musical» titulada «4.33». Si uno de los grandes espacios del arte contemporáneo, como el Centro Pompidou, considera nueve espacios completamente vacíos como un acontecimiento artístico digno, todos estamos en un gran aprieto.

Arquitectura del siglo XX

Se podría decir que la arquitectura del siglo XIX pretendía embellecer la nueva ola de estructuras cívicas, como las estaciones de tren, museos, edificios gubernamentales y otros servicios públicos. Lo hizo tomando ideas del neoclasicismo, del neogótico, del segundo imperio francés y del exotismo, así como de las nuevas formas y materiales de la llamada «arquitectura industrial», ejemplificada en las fábricas junto con estructuras emblemáticas ocasionales como la Torre Eiffel (1887-89).

En comparación, la arquitectura del siglo XX se ha caracterizado por un desarrollo vertical (esquíscrapers), edificios emblemáticos y reconstrucción de posguerra. Más que en cualquier otra época, su diseño ha estado dominado por la invención de nuevos materiales y métodos de construcción. Comenzó con la explotación de las innovaciones de finales del siglo XIX desarrolladas por la Escuela de Arquitectura de Chicago, como la estructura de acero estructural, en un estilo conocido como Modernismo Temprano.

En América, los arquitectos empezaron a incorporar estilos de diseño Art Nouveau y Art Deco en sus obras, mientras que en Alemania y Rusia la arquitectura totalitaria persiguió una agenda separada durante la década de 1930. Entre los arquitectos más famosos de la primera parte del siglo destacan: Louis Sullivan (1856-1924), Frank Lloyd Wright (1867-1959), Victor Horta (1861-1947), Antoni Gaudí (1852-1926), Peter Behrens (1868-1940), Walter Gropius (1883-1969) y Le Corbusier (1887-1965). A partir de 1945, los arquitectos se apartaron del funcionalismo y empezaron a crear nuevas formas facilitadas por el hormigón armado, el acero y el vidrio. Así, el Modernismo Tardío dio paso al Brutalismo, al Modernismo Corporativo y a la arquitectura de Alta Tecnología, culminando en estructuras como el Centro Georges Pompidou de París y el emblemático Teatro de la Ópera de Sydney, uno de los primeros edificios en utilizar la fuerza industrial Araldite para unir los elementos estructurales prefabricados.

Desde 1970, la arquitectura postmodernista ha adoptado varios enfoques diferentes. Algunos diseñadores han despojado a los edificios de toda la ornamentación para crear un estilo minimalista; otros han utilizado las ideas del deconstructivismo para alejarse de las formas rectilíneas tradicionales; mientras que otros han empleado software de modelado digital para crear formas orgánicas totalmente nuevas en un proceso llamado Blobitecture.

Arquitectos famosos de la posguerra son: Miers van der Rohe (1886-1969), Louis Kahn (1901-74), Jorn Utzon; Eero Saarinen (1910-61), Kenzo Tange (1913-2005), IM Pei (1917), Norman Foster (1935), Richard Rogers, James Stirling (1926-92), Aldo Rossi (1931-97), Frank O. Gehry (1926-92), Frank O. Gehry (1920). Famosos grupos o estudios de arquitectura, incluyen: Skidmore, Owings & Merrill (est 1936); Venturi & Scott-Brown (est 1925); los Cinco de Nueva York – Peter Eisenman, Michael Graves, Charles Gwathmey, John Hejduk, Richard Meier; y Herzog & de Meuron (est 1950).

«Historia del Arte Linea De Tiempo»

Historia de la pintura

Tabla de Contenidos1 Introducción a la pintura2 Pinturas Prehistóricas3 Pinturas de la Leer más

Historia Del Dibujo

Tabla de Contenidos1 El Dibujo en Occidente2 El dibujo durante los Siglos Leer más

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Fuente: www.visual-arts-cork.com

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