El Expresionismo abstracto es recordado en gran medida como un movimiento definido por el machismo de sus carteles Jackson Pollock y Willem de Kooning. Pero las mujeres que ayudaron a desarrollar e impulsar el estilo han caído en gran medida fuera del centro de atención histórico-artístico, marginadas durante sus carreras (y ahora en los libros de historia) como estudiantes, discípulas o esposas de sus contrapartes masculinas más famosas, en lugar de ser pioneras por derecho propio. (Una excepción es Helen Frankenthaler, cuya obra trascendente es a menudo la única práctica femenina a la que se hace referencia en las becas y exposiciones en torno a la pintura de acción.)
Incluso cuando estas artistas fueron invitadas a formar parte del Eighth Street Club para discutir la abstracción y su capacidad de canalizar estados emocionales, como fue el caso de Perle Fine, Joan Mitchell y Mary Abbot, su obra rara vez se vendía tan bien o se escribía sobre ella de manera tan amplia o favorable. Y estas mujeres recibieron muchas menos exposiciones individuales que sus contemporáneos masculinos. Algunas incluso cambiaron sus nombres, como Michael West, en un esfuerzo por combatir el sexismo de la época, o incorporaron en su trabajo desafíos tácitos al status quo, como hizo Elaine de Kooning en su serie «Hombres sin rostro».
A continuación, destacamos algunas de las profesionales artistas abstractas más innovadoras (hay que reconocer que hay muchos más de 11).
Tabla de Contenidos
Expresionismo Abstracto Artistas Mujeres
1. Lee Krasner
Nació: 1908, Brooklyn, NY
Murió: 1984, Nueva York, NY
En 1937, después de varios años estudiando con el artista Hans Hofmann en su escuela homónima, Krasner pintó una obra que Hofmann describió como «tan buena que no sabrías que fue realizada por una mujer». A lo largo de su carrera, Krasner, una de las primeras y más innovadoras practicantes de AbEx, luchó contra la marginación de las mujeres artistas, e incluso cambió su nombre de pila de Lena a Lee ambigua de género en la década de 1940.
Si bien ella presentó a su marido, Jackson Pollock, las ideas y los progenitores clave del movimiento para el que él se convertiría en el chico de los carteles, su relación con Pollock a menudo superó su propia reputación como artista. Krasner es una de las pocas artistas en esta lista que vio una retrospectiva de su obra montada durante su vida (en 1983, un año antes de su muerte). Pero sus pinturas, que estallan con líneas feroces y abultadas y formas hinchadas que recuerdan a partes del cuerpo, sólo recientemente han comenzado a recibir su merecido reconocimiento como parte integral de la formación del Expresionismo Abstracto y su legado. Su magnum opus de 1957, Las estaciones, que se extiende a lo largo de 17 pies de ancho, es ahora la pieza central del séptimo piso del Museo Whitney.
2. Elaine de Kooning
Nació: 1918, Brooklyn, NY
Murió: 1989, Southampton, NY
De Kooning era un elemento fijo de la unida cohorte Expresionista Abstracta de Nueva York, que incluía a su esposo Willem de Kooning, aunque ella se diferenciaba haciendo retratos. Sus composiciones fueron bordeadas por los gestos de alto octanaje del movimiento, así como por su propia frustración con la marginación de las artistas femeninas. Su serie » Hombre sin rostro «, por ejemplo, oscureció los rasgos de sus contemporáneos masculinos más famosos, como el poeta y crítico de arte de la posguerra Frank O’Hara. Fueron presentadas en su primera exposición individual en la Stable Gallery en 1952.
Una sensación de energía temblorosa impregna todas las facetas de la diversa obra de de Kooning, que también incluye fascinantes abstracciones inspiradas en paisajes, corridas de toros y pinturas rupestres de Lascaux. «Quería tener una sensación de que las superficies estaban en movimiento», explicó sobre sus lienzos. Colaboradora frecuente de ARTNews, fue también una exponente apasionada y elocuente de la causa AbEx, expresando sucintamente el ánimo del movimiento, con frases como: «Una pintura para mí es principalmente un verbo, no un sustantivo, un evento primero y solo secundariamente una imagen».
3. Perle Fine
Nació: 1905, Boston, MA
Nació: 1988, Southampton, NY
A principios de la década de 1940, cuando Fine tenía treinta y tantos años, alquiló un pequeño apartamento de agua fría que también era su estudio en la calle 8 de Manhattan, la principal atracción de la actividad y discusión expresionista abstracta. Al otro lado de la calle, la Escuela Hans Hofmann zumbaba con estudiantes deseosos de dejar a un lado la objetividad y dedicarse a la abstracción pura. A la vuelta de la esquina, Hofmann, de Kooning y otros pioneros de AbEx hablaban de pintura y bebidas alcohólicas en el Club, el lugar donde sólo se reúnen sus miembros. Fine fue una de las primeras y muy pocas mujeres que entraron por sus puertas.
Después de mudarse a East Hampton con su marido, el fotógrafo y director de arte Maurice Berezov, Fine realizó algunas de sus composiciones pictóricas más ambiciosas que surgían con profundos pasajes de pintura negra y áreas texturizadas de collage. Trabajó en el suelo para crearlos, moviéndose a través de ellos usando un tablón elevado. A pesar de su innovadora exploración del Expresionismo Abstracto, que fusionó con un interés en las formas puras del Neo-Plasticismo, Fine no fue incluida en la exposición de 1978 de Whitney «Expresionismo Abstracto: Los Años Formativos», que impugnó en dos cartas al museo. Más tarde se convirtió en una renombrada profesora de la Universidad de Hofstra, pero declaró: «Nunca pensé en mí misma como estudiante o profesora, sino como pintora. Cuando pinto algo, soy muy consciente del futuro. Si siento que algo no resistirá dentro de 40 años, no me interesa».
4. Michael West
Nació: 1908, Chicago
Murió: 1991 Nueva York
Al igual que Krasner, West fue una de las primeras en adoptar el Expresionismo Abstracto y una de las artistas más audaces del movimiento. Ya en 1932, estudió con Hofmann junto a la pintora-galerista Betty Parsons y a la artista Louise Nevelson, pero pronto se trasladó a otros instructores porque, según su valiente estilo, ya estaba harta de maestros. En esa época, realizó pinturas que mezclaban elementos del cubismo y el neoplasticismo, pero pronto se movió hacia la abstracción, un cambio sin duda influenciado por su íntima relación con el pintor Arshile Gorky (rechazó sus propuestas de matrimonio varias veces, eligiendo la independencia).
A finales de la década de 1930, juntos inventaron un nuevo nombre masculino para West, que nació Corinne Michelle. Regresó a Nueva York después de una temporada en Rochester, y una exposición en 1945 incluyó su trabajo junto a artistas de la talla de Milton Avery y Mark Rothko. Después de la guerra, respondió al miedo y a la frustración de la era atómica con airados azotes de pigmento; a menudo cubrió las pinturas anteriores con nuevos enredos de pinceladas hirvientes. Se convirtieron en gruesas y turbias abstracciones, pintadas directamente desde el tubo o con un cuchillo de paleta, incrustadas con arena y residuos, e imbuidas de títulos existenciales como «Nihilismo» y «Expiación». A pesar de sus innovaciones y esfuerzos para luchar contra la marginación que sentía como mujer (cambiar su nombre, vestía de hombre), en gran medida queda fuera de los libros de historia y las exposiciones sobre arte de vanguardia de la década de 1940 y Expresionismo Abstracto.
5. Alma Thomas
Nació: 1891, Columbia, GA
Murió: 1978, Washington, DC
Es más conocida por sus composiciones geométricas de colores brillantes, sus primeras pinturas de la década de 1950 están enraizadas en el estilo AbEx, que desbloqueó sus ágiles experimentos con el tono y la forma. En 1924, fue la primera graduada del programa de Bellas Artes de la Universidad de Howard, pero dedicó la mayor parte de su vida adulta a la enseñanza secundaria, hasta que se centró en su práctica una vez más en 1950. Sus lienzos muestran una profunda curiosidad por el color y su capacidad para transmitir emociones. A menudo inspirados por los paisajes, la ciencia y el cosmos, palpitan con sus paletas hábilmente moduladas. Los azules claros sangran en la oscuridad con una sensación de movimiento fluido y apresurado.
6. Joan Mitchell
Nació: 1925, Chicago, IL
Murió: 1992, París, Francia
Cuando Mitchell se instaló en Nueva York en 1950, después de recibir su BFA en el Art Institute of Chicago, inmediatamente se convirtió en un pilar de la escena vanguardista, gracias a su ardiente ingenio y exuberantes abstracciones que se casaban con líneas retorcidas, líricas con colores ardientes que se transformaban en notas de staccato. Fue influenciada no sólo por sus pintores contemporáneos, sino también por escritores y músicos-poetas; el poeta Frank O’Hara era un amigo cercano, estaba enamorada del jazz y frecuentaba un bar donde Miles Davis y Tennessee Williams eran habituales.
En 1951, Mitchell fue una de un puñado de mujeres incluidas en el «Noveno Espectáculo de la Calle», que consolidó el Expresionismo Abstracto como un movimiento a observar, así como su propio lugar entre los practicantes de mayor edad como los de Koonings, Robert Motherwell, Hans Hofmann, Krasner, Pollock, y más. Se hizo conocida como una de varias expresionistas abstractas femeninas de «segunda generación», junto con Helen Frankenthaler y Grace Hartigan, y se ganó un lugar codiciado en el Club, donde mantuvo sus ardientes y a menudo mordaces opiniones en conversaciones de salón. «Siempre he pintado por omnipotencia», dijo una vez.
En 1952, cuando su matrimonio terminó en divorcio (Mitchell es una de las pocas mujeres Expresionistas Abstractas más conocidas que no estaba casada con un famoso pintor masculino), cumplió con sus audaces declaraciones y montó su primera exposición individual en Nueva York. Esto galvanizaría un flujo constante de exhibiciones tanto en los Estados Unidos como en Europa hasta su muerte.
7. Mary Abbott
Nació: 1921, Nueva York, NY
A principios de la década de 1940, cuando modelaba para Vogue y Harper’s Bazaar, comenzó a tomar clases en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Después de separarse de su marido en 1946, se instaló en la calle 10 entre los Expresionistas Abstractos y tomó clases en la Escuela de Artistas, fundada por Robert Motherwell en su estudio de la calle 8. Pronto, ella estaba haciendo telas imponentes caracterizadas por pinceladas que a menudo se fusionaban en densos enjambres de colores tórridos y sensuales inspirados en los viajes anuales de invierno a Haití y las Islas Vírgenes.
Sus pinceladas amplias fueron influenciadas, en parte, por su entonces naciente diálogo con Willem de Kooning, quien sería una caja de resonancia y amigo de toda la vida. Ella, al igual que Mitchell, también estaba involucrada en la comunidad literaria y, a finales de la década de 1950, comenzó a incluir texto en sus pinturas de Acción como parte de una colaboración con la poetisa de la Escuela de Nueva York Barbara Guest. Pintando en su casa de los Hamptons hasta el día de hoy, describe a menudo su objetivo de «definir la poesía del espacio vital» a través de su trabajo.
8. Jay DeFeo
Nació: 1929 Hannover, NH
Murió: 1989, Oakland, CA
Nacida Mary Joan DeFeo, la enigmática pintora de San Francisco asumió el apodo de Jay y comenzó a hacer arte en la escuela secundaria, tutelada por un artista-vecino llamado Miguel Ángel, mientras vivía en San José. Estudió arte en Berkeley, donde ganó una beca que la llevó a viajar a Europa y su primera serie importante, un grupo de pinturas abstractas que fusionaron sus intereses en el expresionismo abstracto, la arquitectura italiana y el arte prehistórico. También ayudaron a introducir el uso de una paleta monocromática en toda la abstracción. Para 1953, después de una parada en Nueva York, ella estaba de vuelta en San Francisco y se convirtió en una figura rápida en la escena, y una vecina y amiga de sus compañeros artistas Joan Brown, Sonia Gechtoff, David Getz, y otros.
A lo largo de la década, su obra se llenó de gestos, impasto y medios mixtos, un cambio que culminó en una obra tremendamente imponente que fue tanto su crisol como su obra magna. DeFeo pasó ocho años, de 1958 a 1966, trabajando únicamente en La Rosa, una pintura-escultura que mide más de 10 pies de alto, casi un pie de espesor y pesa más de 2.000 libras. Un desalojo la obligó a dejar de trabajar en la pieza, y también la indujo a dejar de hacer arte durante varios años. No volvió al estudio hasta los años setenta.
Mientras que la atmósfera en San Francisco era posiblemente menos misógina que en Nueva York, DeFeo sin duda todavía sentía las desigualdades de género de su tiempo. En su revisión de la retrospectiva póstuma de DeFeo de 2012-2013 -la primera- en el SFMOMA y en el Whitney Museum, el crítico Peter Schjeldahl planteó una hipótesis sobre los orígenes de su obsesión por La Rosa: «Supongo que se vio obstaculizada por una escena dominada por los hombres… Es concebible que su retirada a la obsesiva reelaboración de La Rosa equivaliera a una protesta tácita -una huelga de pie- contra las presiones de su entorno.”
9. Sonia Gechtoff
Nació: 1926, Filadelfia, PA
Murió: 2018, El Bronx, NY, EU
En 1951, Gechtoff se mudó de Filadelfia a San Francisco, donde instaló su estudio en «Painterland», un edificio cariñosamente titulado en la calle Fillmore que fue el hogar de un grupo de pintores abstractos, entre ellos DeFeo, con quien desarrolló una amistad pero también una rivalidad. En este nuevo entorno, Gechtoff desarrolló un enfoque único: cubrió un cuchillo de paleta con varios colores, y luego los untó con gestos en picado sobre sus lienzos. Las animadas pinturas se celebraron, ganando una exposición individual en el museo de Young ya en 1957 y un lugar en la importante exposición colectiva «Younger American Painters» del Guggenheim en 1954 junto a de Kooning, Pollock, Franz Kline, etc., aunque sólo recientemente se ha reconocido y revivido la influencia histórica de su obra.
10. Grace Hartigan
Nació: 1922, Newark, NJ
Murió: 2008, Timonium, MD
Otra expresionista abstracta neoyorquina de segunda generación, Hartigan (que ocasionalmente expuso bajo el seudónimo «George») asumió, pero también desafió, el estilo no objetivo de sus antepasados, como de Kooning y Pollock, este último cuyo trabajo vio por primera vez en la Betty Parsons Gallery en 1948. A pesar de estar llena de fragmentos de color y gestos activos, sus lienzos nunca renunciaron por completo a su contenido. A menudo, estaban incrustadas con comentarios sociales que cuestionaban el papel tradicional de la mujer.
Una serie de 1954 «Grand Street Brides» interrogó la construcción del matrimonio abstrayendo maniquíes de la tienda de novias (Hartigan se casó y se divorció un puñado de veces). Otras series, como sus pinturas «Matador», exploran la identidad sexual o incorporan elementos de la vida urbana y la cultura popular, aunque desaprueba apasionadamente el floreciente movimiento Pop Art. A diferencia de la mayoría de las mujeres de la época, su trabajo se vendió bien, especialmente después de su inclusión -como única mujer- en la exposición «Twelve Americans» (Doce estadounidenses) del MoMA de 1956, que también incluía pinturas de Philip Guston y Franz Kline y dio como resultado la venta de su obra más grande a Nelson Rockefeller. Pero mientras que ella expuso consistentemente en exposiciones individuales en galerías y exposiciones colectivas en museos a lo largo de la década de 1970, el interés bajó a mediados de la década de 1970, después de lo cual ella enseñó y mostró sólo esporádicamente hasta su muerte en 2008.
11. Judith Godwin
Nació: 1930, Suffolk, VA
En 1950, Godwin, que estudiaba arte en Virginia, conoció y se hizo amiga de la bailarina y coreógrafa Martha Graham. El fatídico choque inspiró a Godwin a trasladarse a Nueva York, donde comenzó a pintar en abstracto y con un dinamismo influenciado por Graham. En algunas pinturas, casi se puede sentir el arco de su brazo cuando se lanzaba sobre el lienzo. «Puedo ver sus gestos en todo lo que hago», dijo una vez de Graham.
Godwin fusionó este sentido teatral del movimiento con las teorías del color de Hofmann para producir ricas combinaciones tonales. Un diálogo a largo plazo con el pintor japonés Kenzo Okada también guió su práctica y reforzó su interés por el budismo Zen, así como su enfoque intuitivo de la pintura abstracta. «Cuando reconozco una forma emergente, respondo intuitivamente evolucionando sub-formas complementarias en colores y aplicaciones que se sienten de apoyo y fomentan el desarrollo», dijo. «Al estudiar el color y su comportamiento, he aprendido a confiar en mi intuición.»
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